L’IDA ha raccolto un’esperienza laboratoriale, condotta nelle scuole primarie dalla docente di danza classica Valentina Poggi  e l’ha trasformata in un testo di esercizi psicomotori indirizzati a bambini dai 6 agli 8 anni.

Il percorso tracciato segue uno sviluppo narrativo avvincente. Attraverso il viaggio fra i pianeti del protagonista Emanuele e della sua navicella i bambini possono esplorare l’uso dello spazio, il campo visivo, il ritmo e la qualità dei gesti, il tutto accompagnato dall’indagine emotiva, punto di partenza per ottenere il massimo coinvolgimento degli allievi stessi.

La volontà di IDA nell’aggiungere questo testo alla sua già folta biblioteca didattica nasce per fornire ad insegnanti di danza, educatori e docenti una traccia di lavoro per impostare laboratori di danza creativa, lezioni di propedeutica alla danza e performance teatrali ad hoc per i bambini.

A sostegno degli spunti pedagogici contenuti nel testo sono state inserite delle illustrazioni frutto di un progetto di collaborazione scuola lavoro fra IDA e il Liceo Artistico Nervi-Severini di Ravenna.

Il Prof. Giuseppe Marino ha guidato gli studenti con grande professionalità nel loro primo passo nel mondo del lavoro.

Abbiamo intervistato Asia Montanari, 18 anni. La studentessa, sebbene giovanissima, ha dimostrato grandi doti organizzative nel pianificare il lavoro assegnato e nel coordinare i compagni.

Ciao Asia, raccontaci un po’ questa esperienza…

È stata un’iniziativa che mi ha elettrizzata da subito, perché finalmente mi è stata data l’occasione di mettermi alla prova progettando per un committente serio  e qualificato come IDA , rispettando tempi e direttive professionali.

Un bel banco di prova, ma quali sono stati per te gli ostacoli maggiori?

È stato complicato inizialmente organizzare il tempo da dedicare allo studio e quello da riservare alle illustrazioni del Circo dei Pianeti ma credo che ne sia valsa davvero la pena!

Come hai reagito quando il Prof. Marino ti ha consegnato la copia del testo stampata?

Non ci volevo credere, un risultato sorprendente per essere il mio primo impatto nel mondo del lavoro al di là della scuola. Ringrazio davvero IDA per avermi permesso di esprimere il mio talento come illustratrice e chissà che un giorno possano esserci nuove collaborazioni.

Attraverso la volontà di Valentina Poggi, Il circo dei pianeti è riuscito a contagiare in prima battuta i bambini protagonisti dell’ esperienza laboratoriale nelle scuole primarie e le loro maestre, in seguito le famiglie, testimoni della performance conclusiva del ciclo di incontri. Un appuntamento molto sentito da tutti, nel quale i bimbi hanno mostrato l’intera dimensione educativa nel quale sono stati immersi, accrescendo competenze affettive, emotive, corporee, cognitive e relazionali. Una narrazione che si è fatta ascolto e creazione, viaggiando fra i pianeti.

Anni dopo, il progetto è tornato a vivere, coinvolgendo gli studenti del Liceo Artistico nella dimensione artistica del disegno.

Non è così scontato che il mondo della danza e il mondo della scuola possano annusarsi, toccarsi e scambiarsi competenze, Il circo dei pianeti è senz’altro un’esperienza positiva che può far conoscere i professionisti della danza nel mondo delle istituzioni scolastiche e aprire collaborazioni e scambi dai quali tutti ne escano arricchiti.

Per saperne di più...

La danza nei progetti scolastici 

Webinar in diretta live

Sabato 10 settembre | dalle 10:00 alle 13:00

Come creare un programma adatto ai progetti scolastici che abbia un senso pedagogico funzionale e che induca i bambini al desiderio di danzare?

Ce ne parleranno l’insegnante di danza e coreografa Silvia Ardigò e Valentina Poggi insegnante di danza che illustrerà il progetto di danza creativa Il circo dei pianeti creato per le prime classi della scuola primaria.

© Expression Dance Magazine - Giugno 2022

Abbiamo incontrato Raffaele Paganini a Danzainfiera circondato dall’affetto di ragazzi che lo “inseguivano” per una foto con il Maestro, e lui, come solo i grandi sanno fare, si è donato senza alcuna remora. 

Classe 1958, Raffaele Paganini a soli 19 anni è diventato Primo ballerino e poi Etoile della Compagnia di Balletto del Teatro di Roma e da allora ha iniziato un percorso artistico che lo ha portato a calcare i più prestigiosi palcoscenici in tutto il mondo.

Raffaele hai appena insegnato in una master class per giovani, come ti rapporti con loro?

Io mi sono da sempre dedicato ai giovani, anche grazie alla mia esperienza. Ho iniziato infatti abbastanza tardi, verso i quattordici anni, perché sono stato inserito in un corso di soli maschi, con età varie (ero insieme anche a bambini di sette anni) che era stato pensato per favorire l’entrata di più maschi nel Corpo di Ballo dell’Opera di Roma. Mio padre, ballerino, mi obbligò ad entrare con mio fratello ma io non volevo, il mio sogno era quello di diventare uno steward. Da quel corso, durato quattro anni, sono usciti poi grandi talenti come mio fratello Alfonso, Mauro Bigonzetti e Mauro Marozzi. 

La mia è stata un’esperienza che mi ha fatto esplorare dentro perché, iniziando gli studi di danza tardi, ho fatto molti sacrifici per raggiungere il livello dei miei compagni di scuola. L’insegnamento me lo sono portato dentro quindi come vocazione mentre, lo ammetto, non mi sento affatto un coreografo: mi sono sempre sentito un’insegnante e mi rivolgo ai giovani perché ho un’esperienza da condividere. 

E quando hai pensato che era giunto il momento di diventare “solo” insegnante? 

Credo che ogni periodo abbia il suo momento. Sui 36/38 anni ho sentito l’esigenza di smettere di fare il repertorio e ho voluto lasciare spazio ai giovani più adatti a ricoprire quei ruoli. Io non mi sentivo più a mio agio ma, ovviamente, questo era il mio punto di vista. Ho creato una mia compagnia e poi, quasi per caso, grazie a Saverio Marconi, ho iniziato a fare il musical. Per dedicarmi ai giovani ho poi aperto una mia scuola di danza e, in seguito, ho abbandonato la compagnia perché c’era troppa burocrazia per quello che mi riguarda. Oggi invece non ho più la mia scuola di danza e giro in tutto il mondo per insegnare.

E ora in quali contesti insegni?

Mi muovo spesso tra l’Italia e l’Estero e mi spinge proprio l’idea di darmi ai ragazzi e non ai professionisti perché mi sento più a mio agio con loro. Tengo tantissime masterclass proprio con questa idea di educare alla danza e non solo alla tecnica.

Per te formare un giovane ballerino cosa rappresenta quindi?

Significa formare nel mondo della danza a tutto tondo, per me è importante far conoscere anche la storia della danza e la tenuta del palcoscenico; la tecnica nella danza non è l’unica qualità per un ballerino che voglia fare della danza classica la propria vita.

Pensi che la danza classica sia il cardine della formazione, tu che hai interpretato dai balletti di repertorio ai musical?

Per me la danza è tutta. Credo solo che la danza classica sia tra le discipline più efficaci e sia un mezzo fondamentale per perfezionarsi.

Dei tuoi insegnamenti cosa vorresti che rimanesse ai tuoi giovani allievi?

Vorrei trasmettere molta fiducia perché sono sicuro che la danza possa risollevarsi e che si possa continuare con l’idea di creare bellezza e non con la sola idea di avere fama e successo. Io lo dico sempre: la popolarità non va sempre di pari passo con la bravura. A me, ad esempio, la popolarità è arrivata davvero per caso. Io e Oriella Doriella siamo stati chiamati da Valeria Ottolenghi con l’idea di un esperimento: portare la danza classica in televisione. L’esperimento andò fortunatamente bene ma non era affatto scontato che il tutto funzionasse.

Mi ha colpito la grande generosità che Raffaele Paganini riserva nei confronti dei giovani e quello che ci ha confidato poco prima di terminare l’intervista: “la danza dal vivo ha bisogno dei giovani e in questi due anni sono stati proprio i giovani a soffrirne di più e si meritano tutta la nostra attenzione”. 

Si ringrazia l’Accademia di musica e danza Giuditta Pasta di Como per la gentile collaborazione per l’intervista.

© Expression Dance Magazine - Giugno 2022

Molto spesso si afferma e si confonde il termine stile con il termine metodo che, invece, sono due aspetti completamente diversi ma complementari. Lo stile è il marchio di una determinata scuola, è la scelta dei mezzi espressivi che costituiscono l’impronta peculiare di una scuola, della personalità di un autore/pedadogista. Il metodo è invece un processo strutturale che segue criteri sistematici in funzione di uno scopo ed è composto da un sistema organico di principi nel quale la disciplina viene sviluppata in modo graduale soprattutto sotto forma di esercizi, in modo da facilitarne l’apprendimento.

In tal senso la grande pedagoga Agrippina J. Vaganova (1879/1951) ebbe la capacità di assorbire le metodiche di maestri provenienti dalle maggiori scuole europee che fino ad allora avevano avuto il primato didattico e coreografico: la scuola francese, la scuola italiana e la scuola danese, e sviluppare una feconda analisi pedagogica di ristrutturazione della Scuola Coreografica fondata nel 1738 consolidando nel tempo una propria didattica e una personale impronta stilistica.

Il merito di Vaganova è stato quello di analizzare in modo dettagliato e decomporre nei singoli elementi tecnici tutti i passi della tradizione accademica delle tre maggiori scuole enunciate sopra elaborando un sistema pedagogico caratterizzato da un crescendo di difficoltà tecnica e di complessità compositiva che prevedeva otto anni di studio. 

Questa elaborazione metodologica, assolutamente sistematica ed esauriente, costituisce la base solida di uno studio progressivo in relazione all’età e al livello di sviluppo psico-fisico. Il suo metodo conferisce organicità e coerenza sul piano didattico e stilistico, mettendo in evidenza l’importanza del centro del corpo (il bacino) dal quale si originano tutti i movimenti; crea un nuovo linguaggio per un corpo forte, potente, sicuro, una base solida che consente al danzatore e al suo corpo di acquisire (metodo) ed eseguire (stile) con facilità, destrezza maggiore armonia nei movimenti ed espressività artistica. 

Quindi, sintetizzando, il metodo e lo stile di una scuola, traggono origine dalla tradizione ma soprattutto dalla personalità dell’autore/pedagogista che ha sistematizzato una propria visione di metodo organico derivato da proprie esperienze formative e artistiche che lo ha portato inevitabilmente ad uno stile proprio in cui si delinea una “scuola”.

Prendendo in esame il metodo Vaganova, la scuola si è formata attraverso l’analisi scientifica della fluidità nei movimenti delle braccia proprie dei francesi e la bravura nei giri e nei salti degli italiani.

Quali criteri pedagogici hanno influenzato la Vaganova nella sistematizzazione del suo metodo e dello stile? 

Del metodo e stile italiano sicuramente la logica pedagogica e di metodo è stata maturata attraverso la conoscenza diretta del metodo d’insegnamento di Enrico Cecchetti mutuando in particolare i principi tecnici del suo “sistema dei giorni della settimana”, ovvero la ripartizione degli esercizi in una periodizzazione ciclica settimanale cambiandone in modo graduale l’intensità dello sforzo giorno dopo giorno, in maniera equilibrata e secondo una precisa logica didattica, sviluppandone gradualmente la fluidità, l’ampiezza e l’armonia del movimento, la purezza delle linee, la forza, la stabilità, la coordinazione e la velocità. 

Del metodo e stile danese, da August Bournonville a Christian Johansson, di cui è considerato uno dei capiscuola dello stile e della tecnica bournonvilliana in Russia, la Vaganova ha analizzato e studiato qualità fisiche come bellezza, vigore, leggerezza, vivacità, musicalità; qualità intellettuali come gusto, perseveranza, immaginazione e qualità artistiche come grazia, morbidezza, “aplomb”, elasticità e precisione. 

Appare chiaro che Vaganova affini il suo metodo attraverso l’analisi dei movimenti eseguiti duranti le lezioni di Johansson, in particolare l’estrema purezza stilistica: eliminazione di ogni parvenza di sforzo e uno sviluppo della fluidità, dettate dalla scuola francese di August Vestris.

In sintesi, quando parliamo di metodo Vaganova dobbiamo ricordare che è un metodo scientifico perché nasce da un’attenta analisi, sperimentazione, ricerca, ma soprattutto da un’attenta riflessione critica su se stessa e la sua formazione didattica e artistica.

Bibliografia:

Danza  - a cura di Donatella Ferrara - Ed. Mediterranee

Basic principles of Classical Ballet - Dover Publications

Storia della danza e del Balletto - Alberto Testa - ED. Gremese

© Expression Dance Magazine - Giugno 2022

Negli ultimi decenni la salute mentale di giovani e meno giovani, è tema di discussione quotidiana negli studi medici, ma anche nei salotti dei politici.

Due anni di pandemia hanno sicuramente lasciato il segno e per molti anni osserveremo conseguenze sul piano sociale e relazionale.

Anche la notizia del “bonus psicologo” ha tenuto banco nelle redazioni, online e offline, ma, senza soffermarci troppo su questo aspetto, sapere che la necessità di un sostegno psicologico sta diventando uno dei bisogno primari sta dando a molti un importante o, forse, ingombrante motivo di riflessione.

Tra questi ci sono gli educatori che, nei giovani e tra le persone che vivono in condizioni svantaggiate, vedono riflesso questo malessere generale, questa crisi economica e soprattutto psicologica.

Si parla spesso di salute mentale, troppo spesso senza davvero riflettere sulla sua importanza, ritenuta fondamentale per la salute dell’individuo (citando l’OMS): l’aumentare dell’età, delle responsabilità è da sempre direttamente proporzionale al peggioramento della salute mentale, ma in questi ultimi due anni purtroppo questo dislivello si è appiattito, poiché anche il benessere psicologico dei giovani sta venendo meno.

Proprio qui entrano in gioco e acquisiscono un ruolo vitale i luoghi di aggregazione (extra scolastici).

Parliamo spesso di quanto le scuole, i centri ricreativi, l’arte in sé possa o debba essere al centro di progetti di tutela e recupero della salute, ma oggi tutto ciò va oltre alle semplici chiacchiere.

In un mondo dove situazioni si mischiano continuamente, dove spesso le criticità superano notevolmente le gioie, dobbiamo riconoscere che forse, ogni giorno un pochino di più, l’arte, la cura del bello, la gentilezza e l’eleganza stiano evolvendo in strumenti concreti, nelle mani di persone che portano sulle spalle il “peso della felicità”  di intere generazioni.

Non diremo assolutamente nulla di nuovo parlando di Dance Therapy, la danza intesa come “cura dell’anima”, uno strumento così potente da essere arrivato persino nelle carceri indiane.

È di pochi giorni fa, infatti, la notizia che nel carcere di Puducherry, in India, sia stata inserita la danza, nel programma di recupero per i carcerati, in particolare per chi è sottoposto al regime di “carcere a vita”: se inizialmente l’attività era vista dai detenuti come “poco interessate”, in poco tempo è diventata una delle attività più amate. La danza come attività di recupero, la danza come terapia per il corpo e per la mente: i miglioramenti sono stati da subito evidenti, portando ad un calo drastico dei livelli di stress.

Tra i carcerati c’è chi ammette che poter svolgere questa attività ha contribuito a rendere le giornate più leggere e la testa più libera dai pensieri, permettendo un miglior sonno anche a persone che per anni hanno dovuto fare i conti con l’insonnia. 

In India, dove le prigioni sono spesso sovraffollate, il primo passo per il recupero psicofisico dei carcerati è stato fatto ed è passato proprio attraverso la danza, con la conferma del successo in termini di salute e benessere, nonostante il contesto di vita sicuramente non facile.

Ciò che non può e non deve passare in secondo piano è la naturale propensione della danza a unire, a porre l’essere in una dimensione di condivisione, fondamentale nel superare situazioni statiche, dove la cosa più facile sarebbe isolarsi dal mondo.

L’esempio del carcere indiano è sicuramente estremo, ma è molto più efficace di altri nella dimostrazione che la danza può superare barriere.

La Dance Therapy non nasce oggi e non nasce in risposta alle problematiche attuali, ma nasce come intuizione, come parte di un discorso più ampio che vede la danza come un mezzo di comunicazione attraverso il quale il corpo può rendere concrete le emozioni del singolo individuo, compresa ovviamente la sofferenza.

La danza diventa così terapia, diventa il collegamento principale tra anima e corpo, tra le due dimensioni dello stesso “io” ed è l’elemento di connessione tra corpi che si muovono nel medesimo spazio. Questa è la funzione terapica della danza: alleggerire il rapporto duale tra anima e corpo, con conseguente propensione alla relazione con l’altro, con l’amico, con la famiglia, con le persone che in un modo o nell’altro entrano nella nostra sfera di influenza.

Oggi, in questa vita iper connessa, la pandemia ha portato a nuove condizioni di solitudine, ha visto la crescita esponenziale di persone che necessitano di tranquillanti e antidepressivi per riuscire a riposare e a superare lo stress mentale (dati ISTAT) e ci ha fatto scoprire deboli di fronte alla narrazione di sé e della propria storia. In questo processo la danza terapia si può ritagliare un ruolo di primo piano a 360 gradi: sostenendo i giovani adolescenti nella costruzione della propria persona in relazione al mondo esterno (con il quale, a quest’età, è sempre difficile dialogare), permettendo agli adulti di trovare nuove strategie per riprendere in mano la propria vita dopo lunghi mesi caratterizzati spesso da situazioni di disagio, aiutando gli anziani a superare le paure proprie della terza età.

La Dance Therapy ha origini nel secolo scorso, grazie a danzatrici come Isadora Duncan e Marian Chace, portatrici di una nuova concezione della danza, liberata dall’elitarismo accademico, che l’aveva caratterizzata fino a quel momento: queste danzatrici cominciano ad acquisire consapevolezza sulle finalità terapeutiche della danza. Una danza che aveva superato la mera finalità estetica e aveva acquisito nuovi fini a livello di espressività di corpo e anima: nasce qui la Dance Therapy, frutto anche del coincidente sviluppo della Modern Dance e delle scoperte scientifiche in ambito psicanalitico. 

La Chace, lavorando con persone con bisogni particolari, si rese conto dell’entusiasmo dato dalla danza, nonostante la mancanza di capacità tecnica, e cominciò ad approfondire il potere del linguaggio del corpo, la cui forza comunicativa diventava fondamentale per coloro che faticavano a esprimersi in altri modi. La danza diventa un mezzo di comunicazione non verbale di primaria importanza.

Lo sviluppo e la diffusione della Dance Therapy varia a seconda di situazioni e contesti, sicuramente in USA trova più spazio, mentre in Europa si è cominciato a lavorare su questi percorsi terapici recentemente. Di sicuro interesse l’interdisciplinarietà caratterizzante questo percorso terapico: maestri di danza hanno iniziato a collaborare con psicologi e psichiatri per trovare una chiave di lettura dei diversi comportamenti.

Gli approcci sono vari e diversificati, sicuramente applicabili a situazioni particolari, ma sempre e comunque legati al rapporto tra corpi e tra corpo e spazio. Nonostante i diversi approcci, nei decenni si è reso evidente quanto la Dance Therapy abbia effettivamente supportato persone ad alleviare sofferenza psicofisica e a superare condizioni di autoisolamento.

Oggi più di ieri questa terapia può avere un impatto potentissimo nella ripresa post pandemica per questo e educatori dei vari settori possono essere portati, insieme ad altri professionisti (quali psicologi e psichiatri), a indagare, attraverso la danza, il malessere per giungere a nuovi percorsi curativi fino a oggi poco battuti, giungendo a costruire una danza adatta a ogni corpo, espressione delle emozioni di ciascuno di noi.

© Expression Dance Magazine - Giugno 2022