Un tema di cui si parla molto negli ultimi tempi è la consapevolezza di sé in rapporto al mondo, ma soprattutto in rapporto alle proprie abilità e competenze. Tale consapevolezza diventa di vitale importanza in un percorso di crescita professionale, come può essere quello del danzatore, in particolare per passare da un contesto amatoriale a un contesto professionale, considerando quanto in quest’arte il corpo sia il “mezzo di comunicazione” preponderante, talvolta lasciato libero di esprimersi in un processo che spesso focalizza maggiormente sull’automaticità del gesto.

Abbiamo avuto modo di confrontarci con Valerio Iurato su questo e su altri temi: Valerio, danzatore e coreografo, ha intrapreso il suo percorso professionale proprio a Ravenna con I.D.A. e oggi, dopo circa dieci anni, lo ritroviamo con esperienze tutte da raccontare e una consapevolezza nuova, dalla quale è partito nella costruzione di un metodo di apprendimento all’avanguardia…

Valerio e la danza, un amore che nasce in Sicilia, ma non è caratterizzato dai soliti percorsi. Tu cominci come ballerino di danza latino-americana, corretto? Raccontaci i tuoi primi passi.

Per rispondere a questa domanda, è fondamentale iniziare dicendo che io sono “nato tra la danza” e chi come me è nato da genitori danzatori capirà perfettamente perché ritengo essenziale iniziare da questo presupposto. 

Nello specifico, io sono nato da mamma insegnate di ballo da sala e latino-americani, con zii e cugini, tutti immersi professionalmente nella danza. Ciò ha fatto sì che fosse inevitabile per me scoprire e innamorami di quest’arte. 

Il ballo è parte integrante della mia vita: passione e professione, da sempre! 

Nessuno mi ha mai obbligato a seguire questa strada, ma verso gli otto anni ho sentito di volermi buttare, muovendo i primi passi. Da quel momento non ho mai smesso di danzare: la mia infanzia è caratterizzata da innumerevoli competizioni regionali e nazionali, a passi di cha cha cha, samba, rumba, valzer, tango, giungendo poi in seguito a specializzarmi nel Tango Argentino, con ottimi risultati.

A diciannove anni, per migliorare il mio livello tecnico nel Tango, decido di provare delle lezioni di Classico e Contemporaneo e ne rimango subito affascinato. Questo colpo di fulmine mi porta a decidere di intraprendere la carriera professionale di danzatore contemporaneo: parto per Ravenna! Nella città romagnola ho intrapreso il percorso professionalizzante offerto da I.D.A e, contro ogni previsione e opinione negativa di chi cercava di scoraggiarmi per una questione prettamente anagrafica, eccomi qui, dopo più di dieci anni, e dopo aver danzato e coreografato in giro per il mondo, a poter dire che quella è stata assolutamente la migliore decisione che avessi potuto prendere. 

Pensi che le danze latine siano valorizzate come le discipline più accademiche o hai respirato anche tu una sorta di classismo? 

Non ho mai avuto nessun problema di questo tipo, anzi, essendo coinvolto nel mondo della danza contemporanea, ho sempre trovato che i coreografi con cui ho lavorato abbiano sempre apprezzato l’influenza che queste altre danze hanno avuto nel mio modo di danzare e noto che anch’io sono molto attratto da quei danzatori che alle loro spalle hanno anche esperienza in altre discipline correlate alle proprie radici culturali. 

Quando hai capito che avresti voluto un futuro nella danza? Cosa ti ha portato ad ampliare i tuoi orizzonti, dedicandoti anche ad altre discipline?

Sinceramente sin da quando ho iniziato danza, da piccolo, ho sempre voluto investire il mio tempo in quest’arte. 

Ho sempre vissuto nella danza e di danza e mi ha sempre incuriosito: ogni stile di danza ha sempre attirato la mia attenzione e ciò mi ha portato a coglierne la vera essenza.

Non riuscivo a spiegarmi il perché di questa esigenza, a volte ho anche criticato me stesso per non riuscire a dedicarmi a una sola disciplina, ma adesso ho la risposta. Inconsciamente ho sempre preferito creare, coreografare e insegnare, rispetto a ballare. Questa tendenza creativa ha portato all’esigenza di voler conoscere quanto più materiale possibile, poiché da sempre ritenuto requisito fondamentale per poter dar voce a questo istinto, a questa volontà.

Dalla Sicilia, all’Austria: hai percorso tanti chilometri, come tanti ballerini della tua età. Credi sia fondamentale spostarsi e conoscere anche il mondo della danza fuori dai confini nazionali? Quale di queste esperienze ti ha più guidato nella costruzione del tuo progetto legato all’apprendimento della danza?

Io trovo fondamentale per il danzatore, per il suo sviluppo artistico e personale, aprire i propri orizzonti e sfidare costantemente quelle che sono le proprie conoscenze e convinzioni, uscendo dalla propria confort zone.

Non credo però sia necessario andare fuori dai confini nazionali per ottenere questo: in Italia si trova un ottimo livello di danza e sempre più la scena italiana sta diventando molto internazionale. 

Questo è un valore aggiunto per la crescita di un danzatore che decide di rimanere nella propria nazione. Nella mia esperienza personale, ho avuto la possibilità di conoscere la danza all’estero, prima in Spagna come studente, poi come danzatore professionista ho maturato esperienze in molti teatri in giro per il mondo: America, Canada, Asia, Sudamerica e ovviamente Europa e queste esperienze mi hanno davvero dato tanto. 

Di certo, in Austria ho avuto la crescita maggiore, lavorando per sei anni come solista per il Landestheater Linz, insieme a danzatori provenienti da tutte le parti del mondo e dove ho avuto la possibilità anche di coreografare intere produzioni per la compagnia. 

Neuroplasticità, eccoci qui. Da danzatore a formatore il passo può essere lunghissimo o brevissimo. Tu ora stai lavorando a un metodo per l’apprendimento della danza legato alle neuroscienze. Da dove nasce tutto ciò?

Tutto ciò nasce dalla necessità di rispondere a delle domande che a un certo punto della mia carriera ho iniziato a pormi in relazione a esigenze personali e a quello che osservavo giornalmente tra i danzatori attorno a me. I punti principali di questa ricerca sono il miglioramento della performance e la salute del danzatore. 

Le prime domande sono state:

cosa ho fatto nel mio percorso finora e cosa avrei potuto fare per avere un livello tecnico migliore?

Che cosa mi sta frenando, adesso, in relazione al miglioramento? 

È una questione di età? 

Posso continuare a migliorare il mio livello tecnico anche essendo un danzatore non più giovanissimo? 

In relazione allo stato di salute, è d’obbligo e non vi è altra possibilità quando si diventa danzatore professionista, a causa delle estenuanti ore di lavoro, non riuscire ad avere un atteggiamento salutare nei confronti di quest’arte? 

Queste domande hanno trovato risposta nel campo della scienza e nello specifico nell’area dedicata alla Neuroplasticità (l’abilità data dal sistema nervoso di cambiare in relazione all’esperienza). Studiando questo processo ho imparato a livello pratico la scienza che sta dietro all’apprendimento, partendo dai requisiti a livello biologico e i relativi comportamenti necessari per favorire questo processo e conseguentemente migliorare le proprie capacità, fino a comprendere cosa fare o evitare per approcciare questo processo nella maniera più sana possibile, elemento fondamentale per un percorso professionale duraturo.

Self-awarness, consapevolezza e coscienza di sè sono le parole chiave nella costruzione di una propria tecnica. Cosa ci dice la scienza in merito?

Quando studi qualunque disciplina il cui obiettivo è il “miglioramento”, che sia personale, sociale, culturale o economico, consapevolezza e coscienza sono sempre alla base di tale processo. Non vi è possibilità di migliorare un qualcosa di cui non comprendiamo lo stato attuale. Nel caso specifico della danza, è di fondamentale importanza che il danzatore sia costantemente cosciente dei propri punti di forza e soprattutto dei propri punti deboli, in modo da poter consciamente e attivamente agire nel rafforzamento di tali debolezze. Nello studio del metodo che ho sviluppato, la coscienza gioca il ruolo principale. La maggior parte dei nostri comportamenti, atteggiamenti e abitudini sono di natura automatica, riflessiva, inconscia, e molto spesso non siamo consapevoli di ciò. Qui il giusto utilizzo, o come preferisco chiamarlo, il giusto posizionamento della nostra coscienza, ci permette di non auto ingannarci, ma di auto esaminarci (self-awarness) e correggere consciamente se necessario tale processo. 

Come pensi di inserire un metodo scientifico nell’apprendimento di un’arte? 

Molto spesso la nostra natura ci porta a dover creare un antagonista rispetto a ciò in cui crediamo, in modo da rafforzarne la validità. Nello specifico credo che la scienza sia stata spesso etichettata tra gli antagonisti dell’arte. Razionale contro irrazionale. La danza è un’arte che richiede il pieno coinvolgimento del nostro essere: fisico, mentale e spirituale. Questo totale coinvolgimento rende quest’arte estremamente completa, ma allo stesso tempo estremamente complessa. Tale complessità a volte scoraggia o blocca il processo di crescita personale e artistica del danzatore. Sono convinto che, facendo conoscere al danzatore i meccanismi che stanno dietro quei processi di cui ha bisogno quando danza, meccanismi che la scienza studia e ci insegna, essi possano aiutarlo nella massimizzazione delle proprie qualità, fisiche e mentali e, conseguentemente, anche in un miglioramento nell’espressione artistica. 

Il tuo obiettivo e i tuoi prossimi passi?

L’insegnamento e la coreografia sono i due campi dove sto dedicando totalmente le mie forze e il mio tempo. Il mio obiettivo è di poter divulgare il più possibile il mio metodo di insegnamento, con la speranza di poter contribuire ad un avanzamento a livello sia di performance sia di salute in questa arte. Un giorno conto di poter avere la possibilità di creare una mia compagnia dove il danzatore avrà la possibilità di poter scoprire ed esprimere le proprie piene potenzialità in un ambiente che favorisca totalmente questo processo.

Noi come I.D.A. crediamo fortemente nelle intuizioni di giovani coreografi e danzatori. Come abbiamo constatato con Valerio, spesso la possibilità di danzare in diversi contesti come professionista, apre le porte a profonde riflessioni che portano a grandi conquiste e nuovi obiettivi.

Ci vediamo presto Valerio!

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2021

Credit Photo © Ness Rubey

“Non è un nome d’arte ma un grande porta fortuna, mia sorella minore mi chiamava così quando era piccola e da allora io per tutti sono Macia… solo quando mia mamma si arrabbia seriamente mi ricordo di chiamarmi Mariarosaria. Ho iniziato questo lavoro per necessità quando mia mamma, che dirige una scuola di danza a Torre Annunziata (NA), ha avuto un  incidente stradale: ho iniziato ad insegnare a 16 anni per aiutarla. Io volevo fare la pediatra ma poi ho continuato su questa strada anche se, all’inizio, quando mi chiamavano ad esibirmi nell’hinterland campano, io ci andavo soprattutto per divertirmi”.

Macia del Prete ha 36 anni con nessuna paura di invecchiare, ama gli animali e persino le zanzare, ed è talmente sincera che è come se mettesse anche te stesso davanti ad uno specchio per cercare la tua vera identità. Dalla provincia di Napoli è partita da una scuola di danza privata e da lì ha girato tutto il mondo.

Macia cosa ti ha portato l’esperienza di lavoro in una scuola di danza?

Lavorare in quel territorio è stata una sfida continua non tanto per insegnare tecnica ai ragazzi quanto perché devi lavorare molto per scolarizzare le famiglie che, d’altro canto, quando capiscono che fanno parte di un percorso più ampio hanno talmente tanta energia che poi ti danno tutto.

Con quale disciplina hai iniziato?

Ho iniziato con l’hip hop, lo vedevo più adatto alla mia fisicità, era la disciplina che indossavo sul mio corpo più facilmente poi, parallelamente, ho sviluppato un grande interesse per la coreografia e con il tempo ho sempre meno amato stare in scena ed essere esposta in prima persona. Poi pian piano ho capito che la danza poteva diventare la mia vita e ho cominciato a studiare a New York (Broadway Dance Center, Peridance, Steps on Broadway): tornavo e partivo e a intermittenza, ogni tre mesi, ritornavo a studiare nella grande mela perché mi scadeva il visto.

E poi per diverso tempo hai fatto anche la danzatrice?

Si ma poi ho smesso, perché la coreografia è diventata il mio terreno di elezione. Sono ritornata sul palco solo quando mi ha chiamata Bill Goodson che mi ha voluto per un tour di Renato Zero nel 2013. Io pensavo di assisterlo invece mi voleva come danzatrice e io in quel momento non volevo una sovraesposizione, però poi ho accettato ed è stata un’esperienza meravigliosa.

Credo sia fondamentale far capire che essere danzatori non sia l’unica professione possibile per chi vive di danza; conoscere la danza dall’interno del settore è una base fondamentale per conoscere questo mondo in modo attento e per avere una base su cui costruire anche altre professioni che vivono ugualmente di danza.

E come mai hai deciso di trasferirti stabilmente a Milano?

Dopo aver terminato la lunga tournèe di Renato Zero ho sentito la necessità di mettere radici e a Milano, dove è tutto più vivace, ho avuto diverse opportunità lavorative e così parallelamente alla mia attività di coreografa, ho ricominciato ad insegnare stabilmente in un percorso professionale. Ho fatto delle scelte e ora ho scelto di volere una continuità che in passato non avevo perché ho fatto anni di nomadismo estremo e a suo tempo l’ho trovato necessario per fare esperienza. Avere una casa fissa mi ha aiutato e in quel momento ho sentito la necessità di segnare un sentiero nuovo e cambiare completamente. Mi ritengo comunque una persona e un’artista molto trasversale che riesce anche a lavorare su piani diversi contemporaneamente.

E poi a Milano è nato un nuovo approccio con il mondo della danza, in che modo?

Attraverso il mondo della moda perché mi hanno cominciata a chiamare come movement director per numerosi brand. Mi piace molto sperimentare anche in questo settore perché, pur mantenendo la mia identità, ho aperto la mia professionalità verso un bacino di utenza molto diverso da quello a cui mi rivolgo abitualmente. La moda mi ha anche aperto ad un senso estetico nuovo, diverso, che ha arricchito la mia esperienza artistica.

E poi, quando sono arrivata a Milano nel 2016, ho cominciato a collaborare stabilmente con la cantante Emma come coreografa dei suoi tour e numerosi video clip.

Come sei arrivata a creare il tuo stile coreografico così particolare? 

Negli anni ho codificato una serie di workmap, dedico una parte abbastanza importante della mia ricerca all’ascolto del corpo del danzatore attraverso un materiale coreografico, sono attenta al percorso umano altrimenti vedo solo passi e corpi che si agitano e, per questo, non servo io lo può fare anche un altro insegnante. 

E la tua compagnia Collettivo Trasversale com’è nata?

E’ nata nel 2017 da una commissione di lavoro da parte di Emma Cianchi (Art garage di Pozzuoli) che, come artista e ottima amica, con la sua richiesta mi ha aiutato canalizzare le energie che avevo internamente e a conoscere meglio la mia identità artistica.

Credo di fare il mio lavoro quanto possibile organico come concetto: mi piace il pensiero di poter spaziare verso la novità, ho bisogno che il giorno precedente sia sempre diverso da quello successivo. 

Come scegli i danzatori delle tue creazioni?

Io scelgo quelli scartati dagli altri perché troppo alti, troppo bassi, troppo urban, troppo in carne e così via. Detesto gli stereotipi e la diversità è alla base della mia ricerca creativa. Ho la necessità di imbattermi in un materiale umano che “semplicemente” abbia una sua qualità netta, che sia personale e che manifesti chiaramente una luce propria. L’individualità e la personalità sono cardini di attrattiva per me.

Mi piace la naturalezza del gesto, perché il danzatore si riappropri del suo essere umano; guido alla ricerca e poi sento i punti cardini propri di ogni danzatore. Credo nell’ascolto sfruttando quello che si ha, credo che ognuno abbia un proprio punto di partenza e che, grazie alla mia ricerca, possa arrivare a nuove esplorazioni del proprio corpo: voglio portare il danzatore al piacere di quello che fa.

Quindi per te la danza può essere anche terapia?

Certamente. Ultimamente ho anche creato uno spazio di ricerca del movimento per non danzatori e sta avendo una funzione terapeutica: aiuta a liberare la testa specie dopo l’esperienza vissuta negli ultimi due anni… in molti abbiamo avuto scompensi emozionali.

E Macia come si sente dopo questi anni?

Che dire… finalmente siamo tornati di nuovo in scena ma la prima volta sul palco mi sembrava di essere tornata indietro anni luce! 

E ora con quale spettacolo sei in tournèe?

Body things Xxy Chapter 2 che è il sequel di Body Things, investigazione sulle molteplici variabili del nostro strumento corporeo, spettacolo interpretato da due danzatori invece che sei del primo capitolo. Il lavoro rappresenta un’analisi delle fluttuazioni di genere attraverso un’introspettiva sulla realtà del genere nelle persone intersessuali. Lo spartito coreografico si snocciola attraverso una narrazione fragile e difficile incentrata sulla percezione intima e “diversa” di un soggetto non binario mediante le prime esperienze sentimentali e sessuali, tra la confusione che tutto ciò può creare e la pressione psicofisica che essi subisce nel dover operare una scelta sul proprio corpo “strano”. Una spirale di compromessi da accettare e domande a cui trovare risposta concretamente con il corpo ma concettualmente con la mente ed il cuore.

Questi temi mi stanno a cuore e per me è molto importante esplicitare il mio percorso individuale anche attraverso la danza.

Su Instagram sei molto popolare, ti piacciono i social?

Io pubblico ma non ho fatto niente per incrementare le mie pagine, i miei followers sono naturalmente seguaci, perché non sono un personaggio che ha fatto tanta televisione e ho avuto un’attenzione mediatica per questo motivo. Ho avuto attenzione invece essendo come sono, pane al pane. Per come sono fatta io rasata, piena di tatuaggi, non era così scontato che potessi aprire una breccia nel pubblico. 

Credo quindi che con l’intelligenza si possa fare di tutto e mi sono sempre messa nelle mie condizioni perché tento sempre di fare quello che mi passa per la testa. Non riesco mai a godermi la quiete: una mattina posso stravolgere anche la mia vita. Anche se poi c’è un processo silente che mi costa, lo combatto ma poi non ce la faccio e alla fine faccio sempre quello che ritengo giusto. Sono sempre onesta con me stessa.

E con gli altri?

Sono una persona sincera se vengo interpellata dico quello che penso. Penso spesso e lo esplicito che ad esempio il mio lavoro possa bastare a se stesso ma in Italia non è così, sembra sempre che devi dimostrare qualcosa. Invece quando sono tornata per lavoro a New York chiamata dalla Peridance Contemporary Dance Company e quando, come professionista, sono entrata in sala nessuno mi ha chiesto da dove venivo. Lì c’è proprio un’altra forma mentis: chi entra in sala ha qualcosa da condividere punto e basta e nessuno dovrebbe giustificare i pensieri che ha. 

La mia sincerità si esplicita anche nel mio terreno d’elezione che è lo spettacolo dal vivo, in teatro, perché lì, con il pubblico, nessuno può mentire e io mi sento a mio agio perché posso essere completamente sincera.

Parallelamente al tuo lavoro di coreografa continui a insegnare. Ogni tanto torni ancora ad insegnare nella scuola di danza da cui tutto è partito e che ora dirige anche tua sorella?

Sì, ci torno ma non per lavorare (anche se insistono tantissimo per ospitarmi), ma quando vado a casa il mio primo pensiero è quello di riposarmi e stare con la mia famiglia con cui ultimamente sto davvero poco.

Pensi che il momento formativo nelle scuole e negli workshop siano sempre una buona palestra per emergere?

Sì, continuo a pensare che il contenitore scuola e formazione siano ancora un’officina interessante, anche insegnando in particolare percorsi che hanno una prospettiva professionale. Molto di questo materiale che raccolgo nei momenti formativi torna nei miei lavori coreografici. 

Voglio insegnare a chiunque… mi restituisce molto della mia identità, però il ruolo di insegnante lo prendo sempre con le pinze, se mi chiamano maestra mi sento troppo strana, su un piedistallo e non mi sento nei miei panni. 

Riporto il mio metodo anche negli stage dove cerco di delineare una crepa nelle micro sicurezze dei ragazzi per portarli a guardare altrove.

E poi non voglio che i miei studenti diventino una nuova me, perché io esisto già.

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2021

 Photo Credit © Marco Di Donna 

Il Dipartimento per lo sport della Presidenza del Consiglio dei Ministri il 10 gennaio 2022 ha pubblicato le ultime linee guida per l'attività sportiva di base e l'attività motoria in genere, ai sensi del decreto legge del 22 aprile.

Per approfondimenti:

Linee guida > 

Quale green pass occorre per accedere alle strutture sportive? Cambia in base al colore delle zone? Leggi il riepilogo

Green Pass nelle strutture sportive >

Di seguito anche le FAQ aggiornate al 10 gennaio 2022:
FAQ aggiornate >

Da oggi puoi affiliarti e acquistare corsi, seminari, workshop ed eventi IDA pagando in tre comode rate senza interessi aggiuntivi con PayPal/carta di credito.

Il sistema mostra in automatico la somma totale suddivisa in tre rate.

La data della prima quota corrisponde al giorno di acquisto. Le successive due rate saranno addebitate lo stesso giorno nei due mesi successivi.

Esempio:
Quota d’iscrizione corso + dispensa cartacea € 488
Data di acquisto 22/12/2021

Rateizzazione:
- 1° rata € 162,72 addebito in data 22/12/2021
- 2° rata € 162,72 addebito in data 22/01/2022
- 3° rata € 162,72 addebito in data 22/02/2022

COME ACQUISTARE CON PAYPAL/CARTA DI CREDITO:

Per l’affiliazione:

1. Dalla pagina dell’affiliazione di tuo interesse seleziona come metodo di pagamento “ISCRIVITI Carta di credito-PayPal”
2. Compila il modulo inserendo tutti i dati richiesti
3. Accetta termini e condizioni e clicca su INVIA ISCRIZIONE, sarai reindirizzato alla pagina di PayPal
4. Accedi al tuo account PayPal
5. Seleziona Paga in 3 rate

Per corsi/seminari/workshop/eventi:

1. Effettua l’accesso alla tua area riservata dalla voce del menù LOGIN inserendo le credenziali ricevute al momento dell’affiliazione
2. Vai alla pagina del corso/master/workshop/evento di tuo interesse
3. Seleziona come metodo di pagamento “ISCRIVITI Carta di credito-PayPal” (N.B. Se il corso è in presenza selezionare prima la città di proprio interesse)
4. Aggiungi il corso al carrello e se desideri anche dispensa e diploma EFA
5. Clicca su Mostra il carrello
6. Spunta la casella Termini del Servizio e clicca su Conferma l’ordine, sarai reindirizzato alla pagina di PayPal
7. Accedi al tuo account PayPal
8. Seleziona Paga in 3 rate