Qual è la differenza tra Urban Dance e Hip Hop? Come si interconnettono tra loro? La nostra casella di posta elettronica è letteralmente intasata da mail in cui si richiede un chiarimento circa le loro principali caratteristiche e differenze, o dove si domandano informazioni sulla genesi e l’evoluzione del Popping, House e Waackin&Voguin etc.

Ad oggi sono disponibili online tantissimi approfondimenti interessanti circa questi argomenti ma è evidente che persista il bisogno di fare ulteriore chiarezza a riguardo.

Questo articolo si concentra proprio sui tanti differenti stili che vengono spesso erroneamente definiti Hip Hop, a iniziare dall’Urban Dance.

Quando parliamo di Hip Hop ci riferiamo ad una danza composta di 2 forme: Breaking e Party Dancing. Si tratta di una spiegazione estremamente semplificata ma che ne sintetizza al massimo la sostanza.

Tuttavia, per comprendere realmente questo stile è necessario scavare più a fondo.

L’Hip Hop nasce negli anni settanta del secolo scorso nel Bronx, a New York, come unica alternativa per i giovani di esprimere disagi, dare voce ai sentimenti, guadagnare rispetto e integrarsi divertendosi. L’Hip Hop è una cultura, uno stato mentale, uno stile di vita. Le varie espressioni di danza (Breaking, Freestyle Hip Hop e Litefeet), d’arte (graffiti), verbali (emcee/rap), di musica (DJ, produzioni) e di moda sono tutte manifestazioni di una stessa cultura.

“Il Breaking e il Social/Party Dancing emergono da questo scenario, radicato profondamente in uno specifico tessuto socio-politico”, mi spiega Buddha Stretch, tra i pionieri dell’Hip Hop Freestyle. “L’Hip Hop è come un essere vivente che respira, cresce e si evolve con la sua gente. Nel tempo – continua - la musica Hip Hop è cambiata, la danza Hip Hop si è modificata, mantenendo tuttavia constanti i principi fondamentali legati alle comunità latine e afroamericane”.

E cosa non è l’Hip Hop? Secondo Buddha Stretch “La parola Hip Hop è stata fin troppo abusata dalle scuole di danza per promuovere i propri corsi, sebbene la maggior parte di queste non avesse alcun titolo per farlo né insegnanti in grado di capirne e trasmetterne l’essenza. È così che si è andata creando una situazione in cui gli allievi imitano pedissequamente linguaggi, suoni e movimenti senza comprendere il vero significato del ballo. Questi corsi non insegnano autenticità dell’Hip Hop, non pagano il giusto tributo alle sue radici e alla sua cultura, usano soltanto l’aspettativa creatasi intorno a questo fenomeno come mera strategia di marketing”.

“Se una scuola di danza insegna movimenti dell’Hip Hop che non hanno nulla a che fare con la sua musica e la sua cultura, ciò che sta facendo è minare la reale essenza di questo stile”, incalza Moncell Durden, professore di Hip Hop dell’USC Glorya Kaufman International Dance Center di Los Angeles. “Quando penso all’Hip Hop – continua Durden - non mi viene in mente uno studio coreografico quanto piuttosto jam session, club, circoli, freestyler etc.”.

“Gli show televisivi e la filmografia hanno contribuito a snaturare la vera essenza di questo stile. The Step Up, Franchise, Stomp The Yard, per citarne alcuni, mostrano l’Hip Hop in modo tale da renderlo cool con una prospettiva di lavoro assicurata”, commenta a riguardo l’icona della Break Dance Bgirl Asia One.

Chiarito dunque cos’è l’Hip Hop, la domanda diventa: cosa si intende per Urban Dance?

“Il termine indica un insieme di team, prove, contest e video: l’Urban Dance non è uno stile di danza ma un atto. È una coreografia”, spiega Bgirl Asia One. “L’interpretazione di una performance di Urban Dance è fortemente condizionata dal suo coreografo e assume caratteristiche differenti a seconda del background”. 

Un esempio su tutti è dato dalla diversità evidente nelle coreografie di Franklin Yu’s Popping e Chris Martin. “Il bagaglio artistico e personale del primo porta alle isolazioni tipicamente presenti nelle sue coreografie. L’altro, come Bboy, si differenzia invece per i footwork pazzi e gli atletici floorwork. Entrambi tuttavia – conclude la ballerina – praticano, insegnano e tengono workshop di Urban Dance ma il loro stile è completamente differente proprio perché hanno competenze artistiche, personalità, esperienze e gusti musicali diversi. Tutto questo contribuisce ineluttabilmente al processo di creazione coreografica”.

In conclusione si può affermare che molte coreografie degli Urban Dancer sono una commistione di vari stili, dal Freestyle Hip Hop al Breaking e al Street/Funk style: per questa ragione spesso le persone tendono ad associare l’Urban Dance con l’Hip Hop e per lo stesso motivo talvolta è difficile spiegare che l’Urban Dance non è l’Hip Hop. 

Note sull'autore:

Jay Asolo, originario della Nigeria , si avvicina al mondo della danza fin dalla tenera età. Ballerino, coreografo e insegnante, oggi è protagonista di primo piano sulla scena internazionale dell’Hip Hop.

Jay Asolo sarà tra i giurati del Concorso Expression a Firenze presso Danzainfiera dal 22 al 24 febbraio 2019. Presenza gradita e costante all’evento, il famoso coreografo assegnerà ai più talentuosi borse di studio per il "Retro Kings & Queens Summer Intensive", con la Retro Kings & Queens Company, a Dublino (Irlanda) in programma per la prossima estate. Maggiori informazioni su www.concorsoexpression.com

E non solo...! A luglio 2019 Jay Asolo sarà presente in qualità di insegnante a Campus Summer School al Centro Studi La Torre di Ravenna. 

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2018

Nato nel 1921 in Oklahoma, Matt Mattox iniziò a danzare all’età di undici anni. Dapprima si accostò alle claquettes incominciando a padroneggiare tecnica e ritmo; in seguito scoprì la danza classica, che gli conferì fluidità, bellezza, rigore e precisione.

Un background importante che diede a Matt, appena ventiduenne, gli strumenti necessari per muovere i primi passi nel mondo dorato dell’industria cinematografica come “danzatore di riserva”. Negli anni che seguirono lavorò con professionisti e coreografi di elevata caratura ma la vera svolta fu l’incontro con Jack Cole che lo introdusse a forme nuove di danza a lui allora sconosciute. E grazie agli insegnamenti di Cole in danza moderna, danza popolare russa, danza indiana e flamenco, Matt Mattox intraprese un lungo percorso che lo portò a diventare il famoso coreografo che oggi apprezziamo.

Lo stile di Matt Mattox era basato su quello “fluido e animale” di Jack Cole. Una danza dettagliata, precisa, nella quale si trovava l’equilibrio, la flessibilità, la rapidità, la potenza, la purezza delle linee. Era una danza di controllo e scultorea. La padronanza della tecnica era condizione necessaria per approcciarla.

Mattox fu anche un grande insegnante. La sua carriera di docente iniziò nel 1956 quando, forte dell’approvazione del suo maestro, intraprese l’insegnamento della tecnica di Jack Cole. Qualche anno dopo, egli creò un proprio metodo interamente ispirato al precedente. “Tutto ciò che so circa la dinamica, la composizione e la trasmissione della danza jazz viene da Jack Cole e della conoscenza che ho acquisito osservando i grandi artisti come Marta Graham e di molti suoi allievi” (Mattox 2002).

Piuttosto che di “Danza Jazz”, Matt Mattox preferiva parlare di “Free Style” (Stile Libero), poiché  più rappresentativo del suo bisogno di totale libertà d’espressione. “Io preferisco pensare a questo particolare tipo di movimento come uno stile libero. La parola “libero” perché io posso scegliere, indipendentemente dal tipo di movimento che io voglia fare, un’inclinazione della testa, un flick del polso o una contrazione del corpo. La parola “stile” perché posso scegliere il movimento che desidero: indiano, flamenco, contemporaneo del XIX secolo, moderno, vaudeville, danze popolari, etniche, una miscela di tutto questo” (Mattox 2002).

Costruita su una progressione di esercizi che lui chiamava “la Barre”, il metodo di Matt Mattox mette l’accento sull’isolazione, la segmentazione, la coordinazione, la poliritmia delle differenti parti del corpo, il rilassamento – le mani sono “naturali” e senza tensione –, la concentrazione e l’intelligenza cinestetica. “Ho essenzialmente due obiettivi: insegnare a concentrarsi e trasmettere la conoscenza della tecnica… Vorrei sviluppare l’intelligenza del corpo evitando gli automatismi. La conoscenza del vocabolario classico e la padronanza delle difficoltà sono assolutamente necessarie... Nei miei corsi avanzati, la difficoltà principale è quella di seguire un ritmo sempre più rapido” (Mattox 2002).

Il corpo come strumento perfetto di cui avere la totale padronanza è un altro elemento fondamentale nella concezione di Mattox: se il corpo non è in condizione, la danza non può essere bella. Egli esigeva che i suoi studenti si superassero, obbligandoli “ad abbandonare se stessi”; nessun gesto è mai gratuito: si conosce il perché lo si fa, le conseguenze visive che ha, i riferimenti pittorici e scultori che sono alla base, per ottenere così una differente qualità di dinamica nella sua esecuzione.

La musica è vista come fonte di ispirazione: “Quando inizio ad ascoltare una melodia – dichiarava Mattox nel 2002 - è lei a dettare i movimenti che devo trovare in tutto il mio bagaglio tecnico” . Il rapporto tra danza e musica era per lui essenzialmente ritmico, la pulsazione forte e regolare era la caratteristica preponderante ai fini della scelta in quanto riteneva fosse fondamentale per lo sviluppo della conoscenza armonica dell’allievo. La maggior parte dei coreografi, danzatori e insegnanti americani hanno frequentato dei corsi di claquettes durante l’infanzia, una disciplina che è assolutamente oscura a molti danzatori italiani e che potrebbe essere di grande aiuto nella comprensione di ciò che gli americani chiamano il “ritmo jazz”.

“Ho compreso il ritmo jazz grazie all’ascolto della musica jazz. Esso è, per dare una definizione semplice, il ritmo che contrasta con una base ritmica regolare, che deve apparire elegantemente nella coreografia, che voi chiamate beat o groove nella musica, con degli accenti che vengono portati volontariamente contro la regolarità di quello di base. Il danzatore come il musicista segue la pulsazione, si allontana e ritorna” (Siegenfeld 2002).

Il sistema di esercizi precisi, chiari ed estremamente stimolanti di Matt Mattox trascendono la danza jazz e formano un ballerino multidisciplinare. “Poco importa che voi siate un danzatore classico, un danzatore di claquettes o di danza moderna, più flessibili sarete nella conoscenza di queste tecniche maggiormente specialisti sarete” (Mattox 2002).

La capacità di comprendere e trasmettere le emozioni profonde che ci animano - come la rabbia, la felicità, la gioia, la sessualità, la sensualità, l’egoismo, la volgarità (ma senza essere volgari), la follia e tutto quello che risiede in noi – è per Mattox un insegnamento necessario da trasmettere ai propri allievi. Egli sosteneva fosse indispensabile farlo senza essere inibiti da sentimenti di colpa o di autocoscienza: provava a dimostrare che per divenire un danzatore completo bisognava anche essere un attore o un’attrice... Fatto ciò, il ballerino avrebbe provato una tale libertà, una tale gioia di esprimersi, che sarebbe diventata una passione da sperimentare il più spesso possibile. Tentava di far capire loro come si può guardare senza vedere, ascoltare senza sentire, pensare senza concentrarsi, danzare con la tecnica senza cercare di trovare l’emozione necessaria alla realizzazione del movimento. Si può ascoltare la musica senza associare il movimento che si fa. Il suo ruolo era quello di renderli coscienti di questa mancanza di relazione. Si sforzava di mostrare che nulla è impossibile. Tutto è possibile. Tutto dipende dalla capacità dei professori di sperimentare cose nuove cercando all’interno della propria tecnica affinché gli studenti facciano progressi di volta in volta sempre più grandi.

La danza jazz per Matt era animale, violenta, romantica, sensuale e sessuale. Porta alla liberazione e, contemporaneamente, al controllo di tutti i riflessi emozionali e di tutte le passioni. Dà la vita!

Bibliografia

Seguin E. (2003), Histoire de la danse jazz, Paris, Ed. Chiron

Goodman K. M., Pryor E. (2005), Jump into Jazz, New York, Ed. Mac Graw Hill

Nell'immagine: Matt Mattox nei pannni di Caleb Pontipee durante la lavorazione del musical "Sette spose per sette fratelli" (1954)

Autore:

Gianni Mancini: Docente di Tecnica della Danza Moderna e Classica presso il Liceo Coreutico e Teatrale “G. Erba" di Torino. Docente Formatore IDA.

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Nato a Vibo Valentia nel 1987, Vito Mazzeo è attualmente il primo ballerino del Dutch National Ballet, ultima tappa di una carriera internazionale iniziata dopo il diploma in danza classica e contemporanea ottenuto con il massimo dei voti alla Scuola di Ballo del Teatro La Scala, risultato unico dai tempi dell'istituzione del doppio percorso disciplinare. Un esito che Vito Mazzeo commenta con innata modestia all’inizio di una lunga e interessante intervista rilasciata a Expression Dance Magazine: “Avendo un fisico atipico, ma anche un carattere atipico, ho dovuto per cause di forza maggiore essere un ballerino eclettico. Credo che mi annoierei ad avere un etichetta come danzatore: ho spaziato da Basilio a Gamache a Dawson e Macmillan per finire con il Teatro Danza di Sasha Waltz, sono stato fortunato ma l’ho anche desiderato tanto: lavorare il più possibile con i coreografi in una creazione era il mio primo obiettivo, e questo generalmente è molto apprezzato”. 

Non ricorda esattamente come e quando si sia avvicinato alla danza, ma sa esattamente cosa lo abbia spinto ad intraprendere seriamente questa professione, ovvero “una Manon con Guillem e Murru”.

Ripercorrendo insieme i momenti più importanti del suo percorso artistico Vito ha dichiarato: “Non ho scelto di ballare all'estero ma è stata una bellissima forzatura: in Italia non c'erano audizioni fino al diploma e non mi volevo trovare senza lavoro, soprattutto perché raggiungevo l’agognato traguardo con un anno di anticipo, quindi ancora minorenne, e questo complicava le cose. Il nostro Paese – continua - mi offriva contratti a singhiozzo, e sinceramente non ho nemmeno mai visto un reale interesse da parte del Teatro della mia Scuola di Ballo (allora erano due istituzioni molto distaccate). Ho incominciato così a fare audizioni: a novembre allo Stuttgart Ballet e, agli inizi del maggio successivo, al Royal Ballet di Londra”.

E proprio quest’ultima occasione si è rivelata quella giusta, il vero trampolino di lancio di una carriera in continua ascesa. Un’esperienza che Vito ricorda con commozione e profonda gratitudine: “Anche se per i primi due mesi ho tenuto i candelabri sul fondo della scena, stiamo parlando del Royal Ballet del 2005, il che significa trovarsi improvvisamente di fronte a Guillem, Cope, Cojocaru, Kobborg, Bussel, Galeazzi, Acosta e posso andare avanti per ore. È naturale che sia stato difficile ma a 13 anni di distanza posso affermare con certezza che ho fatto la scelta giusta andando al Royal. Dopo la fine della Scuola ero pronto tecnicamente, tuttavia avevo bisogno di trovare un’identità stilistica, un Marchio, e quello della danza inglese mi è piaciuto immediatamente. Sono stato anche molto fortunato: a 18 anni mi sono ritrovato a lavorare alla creazione di Chroma con McGregor, balletto che ad oggi è nelle compagnie di mezzo mondo, e poi le prove di Stravinsky Violin Concerto con Darcey… insomma valeva la pena reggere il candelabro!”.

Come ballerino dalla comprovata esperienza internazionale – dal citato Royal Ballet di Londra al San Francisco Ballet fino alle performance all’Hong Kong Ballet e all’attuale  ruolo al Dutch National Ballet di Amsterdam – Mazzeo ha un’idea ben precisa su come appaia il nostro Paese oltre confine: “L’Italia è un Paese complicato – confida -, la prima cosa che affascina lo straniero è la sua stratosferica bellezza, poi però entrano in gioco i luoghi comuni, talvolta tristemente veri. La realtà è che, almeno nel nostro settore,c'è un’eccessiva presenza di burocrazia. Sul lato pratico il guadagno percepito da un ballerino professionista è circa lo stesso, poi, in genere, quando si diventa Primi Ballerini si negozia con il manager della compagnia lo stipendio annuale. Un punto a favore dell’Italia – aggiunge Mazzeo - è l’attuale buona possibilità di entrare a far parte in pianta stabile di un Teatro, questo comporta un buon stipendio e la pensione prima dei 50 anni; situazione completamente differente dalla mia in quanto il mio diritto alla pensione partirà dai 67anni come tutti i lavoratori”.

Realista e pragmatico, Vito Mazzeo si mostra concreto anche quando si abbandona alle emozioni e ai ricordi professionali legati alla sfera personale.

“Come spiegavo prima, l’esperienza al Royal Ballet penso sia stata la più formativa nel mio percorso poiché ha suscitato in me il giusto atteggiamento, rivelatosi utile in molte altre occasioni, a cominciare dalla successiva esperienza al San Francisco Ballet. La professionista che invece più di ogni altra persona ha avuto un ruolo decisivo nella mia carriera è Carla Fracci. Sono stato sotto la sua direzione per due anni e mezzo e mi ha lasciato un’enormità di insegnamenti che custodisco e mi accompagnano ogni giorno, in sala e sulla scena. In merito al ruolo più bello da me interpretato non posso fare una scelta univoca: indossare i panni di Romeo è stato emozionante, non solo per il personaggio ma anche per l’estrema bellezza della musica, allo stesso tempo ho amato moltissimo anche  interpretare Mercuzio. È veramente difficile scegliere sia il balletto che la ballerina preferita, cambia dal momento che si sta attraversando e dal tipo di rapporto che si è instaurato con la danzatrice. Sul fronte dei rapporti interpersonali tra colleghi non ho mai portato avanti amicizie nate dietro le quinte. Sono sempre stato legato a persone che non fanno questo mestiere; mentre con gli altri ballerini ho un rapporto distaccato, gioviale ma niente di più. Poi è naturale che ci siano delle persone conosciute nelle varie esperienze che sono rimaste nella mia vita aldilà della danza. La mia è stata una scelta precisa: una compagnia di danza è come una piccola società  in cui c'è ‘il buono’, ‘il cattivo’, ‘il simpatico’, ‘l'antipatico’ e via dicendo, esattamente come in tutti gli ambienti di lavoro… Il fatto di essere straniero è pesato molto in alcuni periodi, ma l’ho presa con filosofia senza farne un problema, e credo che in un certo senso mi abbia tutelato da certe dinamiche interne”.

Il cuore di Vito si scioglie parlando della vita privata: “L' unico vero sacrificio legato a questa splendida professione che amo tantissimo è non avere il mio compagno accanto a me; per il resto sono stato davvero fortunato: non ho mai seguito una dieta, anche se cerco di mangiare bene, e non mi sono mai pesati i ritmi incalzanti della compagnia”. Davanti a questa risposta la domanda sorge spontanea: come è scandita la quotidianità di un Primo Ballerino del Duch National Ballet? “Durante una mia giornata tipo – risponde gentilmente Mazzeo – trascorro la maggior parte del tempo in sala, le lezioni sono dalle 10 del mattino fino alle 6 del pomeriggio; se ho spettacolo la sera finisco di lavorare alle 4, poi nel mezzo ci sono gli aerei, gli hotel, le città da visitare… Faccio un lavoro faticoso ma talmente bello che ne vale la pena!”.

Parlando del futuro Vito Mazzeo non si sbilancia: “Non lo so, non dico nulla. Non vorrei trovarmi nella spiacevole situazione che qualcuno mi accusasse di non aver rispettato quanto dichiarato in precedenza circa il mio ritiro dalle scene”; ma sul sogno nel cassetto è preciso: “Ciò che vorrei è possedere una statua di un ‘Cavallo e Cavalieri’ di Marino Marini.

E se non avesse fatto il ballerino? “Avrei fatto il giocatore di basket anche se il mio compagno, di professione coach di pallacanestro, non è molto d'accordo con la mia dichiarazione!”, conclude scherzoso Mazzeo. 

Nell'immagine: Vito Mazzeo in "Shape". © Dutch National Ballet. Foto di Angela Sterling

© Expression Dance Magazine - Dicembre 2018

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